En af de fremragende kunstnere i forrige århundrede, Rene Magritte (1898-1967) var oprindeligt fra Belgien. I 1912 druknede hans mor sig selv i floden, hvilket tilsyneladende havde et stort indtryk på den fremtidige kunstner, som dengang stadig var teenager; men i modsætning til hvad folk tror, ​​bør denne begivenheds indflydelse på forfatterens arbejde ikke overvurderes. Magritte bragte tilbage fra sin barndom en række andre, ikke så tragiske, men ikke mindre mystiske minder, som han selv sagde var afspejlet i hans arbejde.

Uddannet på Kunstakademiet i Bruxelles var han i begyndelsen stærkt påvirket af Dada og kubismen. Året 1925 var et vendepunkt i hans arbejde: maleriet "Roses of Picardie" markerede en ny stil og en ny holdning - "poetisk realisme". Kunstneren flytter til "surrealismens centrum" - Paris, hvor han deltager i alle surrealistiske udstillinger. Og i 1938 blev den første store udstilling af den belgiske mester arrangeret af Londons kunstgalleri.

I begyndelsen af ​​1950'erne. Magrittes kunst modtager stadigt stigende international anerkendelse, som det fremgår af hans store udstillinger i Rom, London, New York, Paris og Bruxelles. I 1956 blev Magritte, som en fremragende repræsentant for belgisk kultur, tildelt den prestigefyldte Guggenheim-pris.

Hovedtræk ved Magritte er atmosfæren af ​​mystik i hans værker. En følelse af mystik er, som vi ved, iboende i ægte kunst. "Jeg har altid betragtet Magritte som en imaginær kunstner, en mester et sted på niveau med Giorgione," skrev Herbert Read. Disse ord indeholder nøglen til Magrittes poetik.

I maleriet "False Mirror" (1929), som udtrykte kunstnerens ideologiske credo, er hele rummet optaget af billedet af et stort øje. Kun i stedet for iris ser beskueren en sommerblå himmel med gennemsigtige skyer svævende hen over den. Titlen forklarer ideen om maleriet: sanserne afspejler kun tingenes ydre udseende uden at formidle verdens skjulte dybde, dens hemmeligheder. Kun det uforenelige hjælper ifølge Magritte til at fatte meningen med tilværelsen. Et billede kan kun blive født ud fra konvergensen af ​​to mere eller mindre fjerne virkeligheder.

Magritte ville følge denne metode gennem hele sin kreative karriere, hvilket især er bemærkelsesværdigt i hans "filosofiske" malerier. En af dem er "Hegels ferie" (1958).

"Mit sidste maleri," skrev han, "begyndte med et spørgsmål: hvordan man afbilder et glas vand i et billede på en sådan måde, at det ikke ville være ligegyldigt for os? Men på samme tid, på en sådan måde, at det ville ikke være særlig bizar, vilkårlig eller ubetydelig. Én. i et ord, så man kunne sige: genialt (lad os lade unødvendig skam).
Jeg begyndte at tegne glassene en efter en (tre skitser), hver gang med et krydsstrøg (skitse). Efter den hundrede eller hundrede og halvtredsindstyvende
tegning blev stregen noget bredere (skitse). Først stod paraplyen inde i glasset (skitse), men så endte den under det (skitse).
Så jeg fandt en løsning på det oprindelige spørgsmål: hvordan kan et glas vand afbildes på en strålende måde. Jeg indså hurtigt, at dette emne kunne have stor interesse for Hegel (han er også et geni), fordi mit emne kombinerer to modsatrettede
aspirationer: ønsker ikke vand (afstøder det) og ønsker vand (samler det op). Jeg tror, ​​han ville have kunnet lide det eller fundet det sjovt (for eksempel i ferien). Derfor kaldte jeg maleriet "Hegels ferie".

Magritte skiller sig skarpt ud blandt surrealisterne: I modsætning til dem bruger han ikke fantastiske, men dagligdags elementer, taget i bizarre forhold. Dette er hans berømte maleri "Personlig ejendom" (1952).

"Nøglen" bliver her også navnet. Det "personlige" er hypertrofieret til monstrøse proportioner. Rummet bliver til en slags "mikrokosmos", lukket, klemt, på trods af himlen med skyer, der flyder henover i stedet for vægge. Alle tingene her har mærkeligt nok ændret sig, som om de er kommet til live, fået et ikke-utilitært udseende, selvom objekterne, som altid hos Magritte, ikke har ændret deres udseende, tekstur, farve og er perfekt "genkendelige". Beskueren beundrer som i forbifarten den blålige glans fra glassets glas, træmøblernes tekstur og evnen til at formidle spejlrefleksioner. Men netop i forbifarten, fordi genstandene ser ud til at have opnået selvstændighed, som om de taler på vegne af deres ejer og fuldstændig tilraner sig hans "ledende" rolle. De er selv blevet "personligheder" og ser ud til at have en samtale indbyrdes.

Et af kendetegnene ved det tidlige Magrittes maleri er dets "litterære" i ordets gode betydning. Magritte bevæger sig i en kreds af digtere, filosoffer, forfattere, studerer de teoretiske værker af berømte romantikere i det 19. århundrede. Han var stærkt påvirket af værker af den engelske romantiske digter og filosof fra det tidlige 19. århundrede. Samuel Taylor Coleridge, som først og fremmest ærede symbolisme i kunsten - sådan en "fuldstændig underordning af materie til ånd, at materie bliver til et symbol, hvorigennem ånden åbenbarer sig."

Denne idé illustreres især af Magrittes berømte maleri "Liberation" ("Flight into the Fields"), skabt i 1933.

Et mærkeligt landskab åbner sig fra et knust vindue. Grønlige aftenbakker, kugleformede blå træer, gennemsigtig perlemorhimmel, blå afstande. Strålende ved at bruge teknikkerne til tonalt maleri skaber kunstneren en stemning af glædelig opstemthed, forventning om noget usædvanligt og vidunderligt. Den varme skygge af gardinerne i forgrunden forstærker indtrykket af luftigheden i dette fortryllede landskab... Magrittes malerier ser ud til at være lavet med en rolig, uforfærdet hånd. Farvemester, Magritte bruger det sparsomt og sparsomt. I "Liberation" bruges farvens symbolik til at udtrykke komplekse associationer. Pletter af blå, pink, gul og sort giver billedet en fantastisk farvefylde og livlighed.

Originaliteten af ​​Rene Magrittes arbejde vil blive afsløret mere fuldstændigt, hvis vi vender os til emnet "surrealisme og freudianisme." Surrealismens hovedteoretiker, Andre Breton, en psykiater af profession, tillagde Freuds psykoanalyse afgørende betydning ved vurderingen af ​​kunstnerens arbejde. Freudianske synspunkter blev ikke kun adopteret af mange surrealister – det blev deres måde at tænke på. For eksempel, for Salvador Dali, efter hans egen indrømmelse, betød Freuds idéverden lige så meget som Skriftens verden for middelalderlige kunstnere eller den antikke mytologis verden for renæssancens mestre.

Den "frie associationsmetode" foreslået af Sigmund Freud, hans "teori om fejl" og "fortolkning af drømme" var primært rettet mod at identificere smertefulde psykiske lidelser med det formål at helbrede. Fortolkningen af ​​kunstværker foreslået af Freud var også rettet mod dette. Men med denne forståelse reduceres kunsten til en privat så at sige "helbredende" faktor. Dette var fejlslutningen i surrealismens teoretikeres tilgang til kunstværker. Magritte var godt klar over dette og bemærkede i et af sine breve i 1937: "Kunst, som jeg forstår det, er ikke underlagt psykoanalyse. Det er altid et mysterium." Kunstneren behandlede forsøg på at fortolke sine malerier ved hjælp af psykoanalyse ironisk: "De besluttede, at min "Røde Model" er et eksempel på et kastrationskompleks. Efter at have lyttet til flere forklaringer af denne art lavede jeg en tegning i henhold til alle " regler" i psykoanalysen. Naturligvis analyserede de det på samme måde koldblodige. Det er forfærdeligt at se, hvilken slags hån en person kan blive udsat for efter at have lavet en uskyldig tegning... Måske er psykoanalyse i sig selv det bedste emne for en psykoanalytiker ."

Dette er grunden til, at Magritte stædigt nægtede at kalde sig selv en "surrealist". Han accepterede uden videre beskrivelsen af ​​en "magisk realist". Denne retning er karakteristisk for den "belgiske periode" af hans arbejde - startende i 1930, da Magritte vendte tilbage fra Paris til Bruxelles for altid.

Traditionerne for gammel hollandsk kunst havde en gavnlig indflydelse på Magrittes arbejde. I maleriet "Plagiat" (1960) tiltrækker flere symbolske detaljer opmærksomhed.

Til venstre på bordet ser vi et billede af en rede og tre æg - symbolik af treenigheden. Som en troldmand ser kunstneren ud til at materialisere billederne af hans fantasi foran vores øjne, og de bliver til en smuk frugtbærende have - et symbol på en levende kreativ fantasi. Magritte skaber et subtilt, spirituelt poetisk billede. Når man betragter billedet, kan man kun beundre de mest sarte lyserøde, blålige, perlemorsfarvede nuancer - et virkelig fabelagtigt syn.

I 1930'erne Magritte, sammen med Boschs kunst, studerer dybt værket af sin landsmand, dramatiker og filosof Maurice Maeterlinck, som tilbage i 1889 i samlingen "Greenhouses" skrev: "Et symbol er en naturkraft, men det menneskelige sind kan ikke modstå dens love... Hvis der ikke er noget symbol, er der intet kunstværk."

Magritte skylder Maeterlinck evnen til at udvikle sammenligning til et helt netværk af billeder, som kunstnerens fantasi forvandler til den virkelige verden. I maleriet "Madness of Greatness" (1948) er et døende stearinlys afbildet på en sten brystning på baggrund af det endeløse azurblå hav - som et symbol på menneskelivets skrøbelighed. I nærheden vokser flere kvindelige torsoer ud af hinanden (et symbol på sensualitet). Og på himlen med smukke frosne skyer (for Magritte - et symbol på tidløshed) ser beskueren blå "ulegemelige" geometriske former, der symboliserer "rene ideer" og en luftballon - et symbol på abstrakt "ren tanke".

Ved hjælp af et fint gennemtænkt farveskema "afklarer" kunstneren hovedideen. Hans "sensualitet" er en varm kødfarve. "Pure Forms" er designet i en kold blålig tonalitet, der svarer til symbolikken og skaber samtidig en følelse af grænseløst rum.

"Vi vandrer tilfældigt gennem dalen uden at indse, at alle vores bevægelser gengives og får deres sande betydning på toppen af ​​bjerget," skrev Maeterlinck i sin afhandling "De ydmyge's skat", "og det er nødvendigt, at fra tid til anden. til tider kommer nogen til os og sagde: "Løft dine øjne, se hvad du er, se hvad du gør. Vi bor ikke her, vores liv er deroppe. Det blik udvekslede vi i mørket, de ord der gjorde nej fornemme ved foden af ​​bjerget, se, hvad de er blevet til, og hvad de betyder dér, over snehøjderne."

Denne idé om Maeterlinck blev afspejlet i Magrittes maleri "The Possession of Arnheim" (1962).

Kun ved at knuse glas med et falsk billede malet på kan man se virkeligheden i al dens strålende pragt, mener kunstneren. Det er her, på toppen af ​​bjergene, Maeterlinck talte om, at Sandheden lurer.

Maleriet "An Unexpected Answer" (1933) inkarnerer en anden tanke om Maeterlinck: "Der er ingen ubetydelige dage i livet. Gå, kom tilbage, gå ud igen - du finder, hvad du har brug for i tusmørket. Men glem aldrig, at du er tæt på døren. Denne "måske en af ​​de smalle sprækker i mørkets døre, hvorigennem vi får mulighed for et øjeblik at se alt, hvad der er ved at ske i grotten af ​​skatte, der endnu ikke er blevet opdaget. ."

Maleriet ligner en slags emblem på et spændende mysterium - alt her er så integreret, "naturligt", hvis denne definition kan tilskrives en af ​​Magrittes mest mystiske og mystiske kompositioner. En åben "hakket dør" er et symbol på en anden dimension, fyldt med mange mysterier.

Nogle forfattere, der skriver om Magritte, erklærer ham for en "kunstner af det absurde", hvis malerier mangler nogen mening. Hvis dette var tilfældet, hvis kunstnerens mål kun var at skildre "det absurde i vores daglige eksistens", ville det være kreativitet på puslespilsniveau og ikke den seriøse kunst, det er. Magritte skrev: "Vi spørger tilfældigt om et billede i stedet for at lytte til det. Og vi er overraskede, når svaret, vi modtager, ikke er ærligt."

Hans kunst blev ofte kaldt "dagdrømme". Kunstneren præciserede: "Mine malerier er ikke drømme, der får dig til at sove, men drømme, der vækker dig." Det er ikke for ingenting, at den fremtrædende surrealist Max Ernst, efter at have set sin udstilling i New York i begyndelsen af ​​1950'erne, sagde: "Magritte hverken sover eller forbliver vågen. Han oplyser. Han erobrer drømmenes verden."

"Uden mystik er hverken verden eller idéen mulig," blev Magritte aldrig træt af at gentage. Og som epigraf til et af hans selvportrætter tog han en linje fra en fransk digter fra det 19. århundrede. Lautreamont: "Jeg drømmer nogle gange, men aldrig et øjeblik mister jeg bevidstheden om min identitet."

Derfor den uventede fortolkning af "internt og eksternt" i Magrittes værker.

Her er kunstnerens kommentar til hans maleri "Livets rammer" (1934): "Foran vinduet, som vi ser inde fra lokalet, anbragte jeg et maleri, der forestillede netop den del af landskabet, som det dækker. træet på billedet slører træet, der står bagved, er udenfor. For beskueren er træet samtidigt inde i rummet på billedet og udenfor i det virkelige landskab. Sådan ser vi verden. Vi ser den uden for os og kl. samtidig ser vi dens repræsentation i os selv. På den måde placerer vi nogle gange i fortiden det, der sker i nutiden. Dermed frigøres tid og rum fra den trivielle mening, som den almindelige bevidsthed giver dem."

Herbert Read bemærkede: "Magritte er kendetegnet ved sværhedsgraden af ​​hans former og et tydeligt syn. Hans symbolik er ren og gennemsigtig, som vinduesglasset, som han så elsker at afbilde. Rene Magritte advarer om verdens skrøbelighed. Glasset er gået i stykker: det fryser betydeligt under flugten, billederne falder og stiller sig op på række som isflager." Dette er et eksempel på en mulig fortolkning af Magrittes polysemous metaforer. Denne kunstners glasrudemotiv kan også ses som grænsen mellem to verdener - den virkelige og den surrealistiske, den poetiske og den daglige, mellem det bevidste og det ubevidste.

I maleriet "Son of Man" (1964) er det moderne menneske afbildet på baggrund af en væg, der adskiller ham fra havets og himlens store vidder, som symboliserer uendelighed. Et æble, der hænger foran en persons ansigt, tilføjer mystik til billedet. Dette æble kan både opfattes som frugten af ​​kundskabens træ og som et symbol på naturen, som mennesket forsøger at forstå. Samtidig giver denne detalje harmoni til den prosaiske fremtoning af en pæn borgerlig.

Maleriet "Golconda" (1953) kan ses som en legemliggjort metafor: mennesker "med vægt" er blevet vægtløse. Der er ironi gemt i navnet: Golconda er trods alt en semi-legendarisk by i Indien, berømt for sine guldforekomster og diamanter, og disse mennesker ser ud til at være tiltrukket af guld. Kunstneren hænger i et ubegrænset rum adskillige dusin pænt klædte rentiere med bowlerhatte, slips og moderigtige frakker, samtidig med at han bevarer absolut ro.

I et af Magrittes senere malerier, "Ready Bouquet" (1956), betragter en mand i samme bowlerhat og haler, der står med ryggen til beskueren på terrassen, aftenparken. Og på hans ryg er afbildet "Forår" af Botticelli, der går i blomster og farvernes glans. Hvad er dette? Realisering af aforismen "Mennesket passerer, kunsten forbliver"? Eller måske huskede en person, der beundrede parken, et Botticelli-maleri? Svaret er uklart.

Kunstneren søger at ødelægge den sædvanlige idé om det velkendte, uforanderlige, for at få ham til at se objektet i en ny dimension, hvilket fører beskueren til forvirring. I sine lærreder skabte han en verden af ​​fantasi og drømme ud fra virkelige ting og fordybede seerne i en atmosfære af drømme og mystik. Kunstneren vidste glimrende, hvordan man "dirigerer" deres følelser. Det ser ud til, at den verden, kunstneren har skabt, er statisk og stærk, men det uvirkelige invaderer altid hverdagen og ødelægger denne velkendte verden (et almindeligt æble i et rum, der vokser, fortrænger mennesker, eller et damplokomotiv hopper ud af pejsen kl. fuld fart - "Pierced Time", 1939).

Det hyppigst kopierede maleri er The Creation of Man (1935). Billedet af havet i maleriet på staffeliet, der står foran det åbne vindue, smelter mirakuløst sammen med den "rigtige" havudsigt fra vinduet.

Temaet for mange af Magrittes malerier var den såkaldte "skjulte virkelighed". En del af billedet, for eksempel hovedpersonens ansigt, er dækket af noget (et æble, en buket blomster, en fugl). Magritte forklarer betydningen af ​​disse værker: "Det interessante i disse malerier er tilstedeværelsen af ​​det åbne og det skjulte, der pludselig bryder ind i vores bevidsthed, som i naturen aldrig er adskilt fra hinanden."

I maleriet "The Lovers" viser Rene Magritte, at når vi virkelig er forelskede, er vores øjne lukkede.

I et forsøg på at forstå den undvigende betydning af Magrittes malerier, at "forklare" dem, griber beskuerens sind febrilsk efter begge. Kunstneren "kaster" titlen på maleriet til ham (det dukkede normalt op efter arbejdet var færdigt). Magritte gav titlen en afgørende rolle i opfattelsen af ​​maleriet. Ifølge slægtninge og venners erindringer diskuterede han dem ofte med litterære venner, når han kom med navne. Her er, hvad kunstneren selv sagde om dette: "Titlen er en indikator for maleriets funktion", "Titten skal indeholde en levende følelse", "Den bedste titel på et maleri er poetisk. Den skal ikke lære noget, men i stedet overraske og fascinere.”

Mange af maleriernes titler er bevidst videnskabelige, og ironien er synlig i dem: "Philosophical Lamp" (1937), "Praise of Dialectics" (1937), "Natural Knowledge" (1938), "Treatise on Sensations" (1944) ). Andre titler skaber en atmosfære af poetisk mystik: "Dialog afbrudt af vinden" (1928), "Nøglen til drømme" (1930), "Painful Duration" (1939), "Empire of Light" (1950), "God's Living" Værelse” (1958).

Maleriet "Empire of Light" blev malet af Magritte i det sidste årti af hans liv, men blev straks hans måske mest populære værk. Så populær, at mange samlere var villige til at betale alle penge bare for at have en af ​​dens replikaer i deres samling.

Så hvad er dette billede, der har fanget sindet hos mennesker rundt om i verden? Ved et hurtigt blik virker det enkelt og endda beskedent. Et hus ved bredden af ​​en lille sø er gemt i skyggen af ​​spredte træer. Vinduerne på anden sal gløder af et hyggeligt lys, en ensom lanterne giver sit venlige lys til en rejsende, der kan finde sig selv her en mørk nat. Det ville virke som en almindelig, fuldstændig realistisk nat. Enhver "traditionel" kunstner kan male sådan noget.

Men er dette sandt? Hvorfor opstår der så en vag uro, der tvinger beskueren til at kigge nærmere og nærmere ind i billedet? Denne angst forsvinder ikke, før den pludselig bliver klar – himlen, det er det, det handler om! En blå himmel med hvide luftige skyer, der løber lystigt hen over den. Og det er sent om aftenen! Bare spørg ikke, hvordan det er muligt, for i Magrittes verden er intet umuligt. Som ingen anden elsker denne kunstner at forbinde det uforenelige, at introducere detaljer i sine malerier, der står så skarpt i kontrast til hinanden, at beskueren først oplever et lille chok, men så begynder hans sind at arbejde dobbelt intenst og forsøger at finde en løsning på den foreslåede karakter.

Magritte sagde selv dette om det: "Jeg kombinerede forskellige begreber i "Empire of Light", nemlig et natlandskab og himlen i al dagslysets herlighed. Landskabet får os til at tænke på natten, himlen - på dagen. Efter min mening har dette samtidige fænomen dag og nat kraften til at overraske og fortrylle. Og det kalder jeg magtpoesi.”

Rene Magritte selv

"Selvportræt" ("Klart øje")

Han mindedes sin barndom og skrev: "Jeg husker min forbløffelse, da jeg første gang så skakbrættet og brikkerne på det. Skræmmende indtryk! Nodeark, hvor mystiske tegn betegnede lyd og ikke var ord!" Her er et lille tidligt værk af kunstneren - "The Lost Jockey", som blev hans kreative manifest.

En rytter, der skyndte sig i fuld fart på en opskummet hest, forvildede sig i en surrealistisk lund af enorme skakbrikker malet med noder.

Maleri "Carte Blanche" eller "Tomhedens hindring".

Magritte skrev om hende: “Synlige ting kan være usynlige. Hvis nogle mennesker for eksempel rider gennem skoven, så ser du dem først, så ser du dem ikke, men du ved, at de er der. På maleriet "Carte Blanche" slører rytteren træerne, og de slører hende. Vores tankekraft favner dog både det synlige og det usynlige, og ved hjælp af maleri gør jeg tanker synlige.”

Maleri "Forbidden split"

Det er interessant at bemærke, at i Magritte kun billeder af fugle er fri for associative kompleksiteter. Fugle bærer den positive energi ved at flyve, intet mere. Der er ingen døde fugle, faldne fugle, med brækkede vinger. Fuglene er i live, og deres vinger er fulde af Magrittes klare blå og hvide cirrusskyer (Big Family, 1963).

Den 15. august 1967 døde Rene Magritte af kræft. En af det 20. århundredes kunstner-magikere, der i livet lignede en respektabel farmaceut, er gået bort.
Han førte det stille og rolige liv som en belgisk mand på gaden, langt fra bohemernes travlhed – en mand, der er svær at udvælge fra mængden. Drømme, paradokser, frygt, mystiske farer fyldte kun hans malerier, ikke hans liv. Kunstneren bekæmpede kun kedsomhed gennem kreativitet. Dagens regelmæssighed passede ham ret godt, han malede endda de fleste af sine malerier i spisestuen og indtil slutningen af ​​sit liv foretrak han sporvognen frem for andre former for transport.
En gang, kort før sin død, sagde Magritte, denne sofistikerede mester: "Jeg forstår stadig ikke grunden til, hvorfor vi lever og dør." Måske krypterede kunstneren sporene til eksistensens årsager og mysterier i sine rebus-malerier? Alt er muligt. Så er det værd at se nærmere på dem!

Den 2. juni 2009 åbnede et nyt museum dedikeret til den berømte surrealistiske kunstner Rene Magrittes arbejde i Bruxelles. Det Kongelige Museum for Fine Kunster tildelte et værelse på 2,5 tusinde kvadratmeter til det. Udstillingen på Rene Magritte-museet omfatter mere end 200 værker af forfatteren - dette er den største samling i verden.

Her har jeg lagt malerier op af Rene Magritte med titler. Også et par fakta om denne mands karakter og filosofi. For dem, der ønsker at lære mere om denne kunstners biografi, råder jeg dig til at se filmen "Monsignor Magritte."

Jeg har udskudt dette indlæg i lang tid, ikke fordi jeg ikke kan lide Rene Magritte, men tværtimod på grund af betydningen af ​​dette fænomen. Faktisk, efter min forståelse, er søjlerne for surrealisme i maleriet to personer: Salvador Dali og Rene Magritte. De er ligesom Tolkien og Lewis i fantasy. Magritte og Dali påvirkede og fortsætter med at påvirke alle surrealister.

Det var dog to helt forskellige mennesker, lige så forskellige som deres malerier. Rene Magritte kunne i modsætning til Dali og alle de andre surrealister ikke lide at chokere offentligheden, startede ikke slagsmål, brugte ikke fluesvampe til inspiration og tilbragte hele sit liv med én kvinde - hans kone Georgette, hans hovedmuse , soulmate og model.

Filosofi af Rene Magritte

Det mærkelige er, at manden, der sammen med Dali betragtes som en klassiker inden for surrealismen, ikke engang anerkendte denne bevægelses filosofi, hvor psykoanalysen indtog en af ​​hovedpladserne. Belgieren mente, at kreativitet ikke kan analyseres, at det er et mysterium, et filosofisk puslespil, men ikke genstand for freudiansk analyse.

I betragtning af denne filosofi er det ikke overraskende, at mange af hans værker ofte forårsager forvirring og følelsen af, at kunstneren gør grin med dig. En sådan tvetydighed og symbolik bidrog naturligvis til, at der blev skabt mange parodier og installationer på hans malerier. Maleriet "Son of Man" er især populært i denne henseende.

En ganske anstændig borger :) Det gav de dig ikke med din rumdragt :)

Generelt var Magritte en stille, rolig person, og de mest interessante ting skete i hans hoved. Måske er det derfor, der er lavet så få film om Rene Magritte, i modsætning til Dali.

Jeg vil ikke tørt opremse fakta fra hans biografi her; 100.500 andre mennesker har allerede gjort dette for mig. Jeg tror ikke, det er derfor, folk kommer til bloggen, det er jo, hvad pediwiki er til for. Hvis du vil lære denne kunstners biografi at kende, råder jeg dig til at se filmen Monsieur Rene Magritte (Monsieur Rene Magritte) 1978. Det er mere interessant end at læse en tør Wikipedia-tekst (med al respekt for pedivics).

Malerier af René Magritte med titler

Alt, hvad denne mand ville fortælle os, sagde han med sine malerier. Rene Magrittes malerier er, i modsætning til det stormfulde pres fra Dalis finurlige visioner, roligere og mere filosofiske. Derudover er Magrittes malerier gennemsyret af en meget ejendommelig sans for humor. Se bare på hans maleri af en pibe med en signatur nedenfor - det er ikke en pibe.

La Philosophie dans le boudoir (filosofi i boudoir)

La Magie noire (Sort magi) Det siges, at alle kvindebillederne i hans malerier er billeder af hans kone. Når du ser på dette billede, begynder du at forstå, hvorfor han levede hele sit liv med en kvinde. Efter min mening meget smukkere end Gala.
La Memoire (hukommelse).
Cosmogonie Elementaire (Elementær kosmogoni).
La Naissance de l'idol (Et idols fødsel).
La Belle captive (Den smukke fange).
L'Invention collective (Kollektiv opfindelse), maleri af René Magritte.
Les Amants (Lovers), Rene Magritte, malerier, surrealisme. Le Thérapeute II (Terapeuten II), Rene Magritte, kunstnere, surrealisme.

Le Fils de l'homme (Menneskesønnen), René Magritte. Et af kunstnerens mest berømte malerier.
Le Faux miroir (Det falske spejl),
Le Coup au coeur (Et slag mod hjertet)

Rene Magritte. Clairvoyance (selvportræt). 54 x 64,9 cm.1936. Privat samling. Artchive.ru

Der er ikke en dråbe posering i Rene Magrittes kunst. Han "interesserer" ikke beskueren ved hjælp af sine mystiske malerier. I stedet opfordrer han til at tænke.

Et maleri, der er en fryd for øjet, er ikke kunst for Magritte. Hun er helt tom for ham.

I dag identificerer encyklopædier Magritte som en fremragende surrealist. Mesteren ville nok ikke kunne lide det. Han undgik psykoanalysen og kunne ikke lide Freud.

Efter at have brudt de kreative bånd med Andre Bretton (teoretiker for surrealisme), forbød han nogensinde at kalde sig surrealist.

Han blev pioneren inden for magisk realisme. Magritte var generelt en fri kunstner, ikke klar til at opgive sin frihed i anerkendelsens navn. Derfor skrev han kun det, der betød noget for ham.

Udgangspunktskontrovers

Rene blev født den 21. november 1898 i byen Lessines (Belgien). Kort tid senere blev yderligere tre brødre født.

En lykkelig barndom endte for den fremtidige kunstner i en alder af 14. I 1912 druknede hans mor sig selv i floden. Da den unge Rene så, hvordan byens indbyggere trak den livløse krop ud af hans mor, forsøgte den unge Rene at forstå årsagen til, hvad der skete. Han troede altid på tankens kraft. Du skal bare prøve meget hårdt, og så vil sindet finde svarene.

I dag argumenterer kunsthistorikere om barndommens tragedies indflydelse på maleren. Nogle mener, at det var i dette dramas regi, at en række malerier, der forestiller havfruer, dukkede op. Sandt nok er Magrittes havfruer det modsatte: med en fisketop og en menneskelig bund.

Rene Magritte. Kollektiv opfindelse. 1934 Kunstsamling i Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. Wikiart.org

Andre, uden at benægte indflydelsen fra denne mørke side af biografi, er stadig tilbøjelige til at se talentets natur i selve kunstnerens personlighed.

R. Magritte. Portræt. 1935 MOMA, New York

Han var en rigtig drømmer. Han fandt på spil og underholdning uden fortilfælde. Men Renes romantiske tankegang var fremmed for hans brødre. De nåede aldrig at blive familie.

Hvem ved, måske er dette et portræt af en af ​​hans brødre. Hvilket afspejler det kølige forhold mellem mennesker, der er beslægtet af blod.

Kan du se øjet i baconen? Jeg tror, ​​at man mildt sagt ikke kan lide en person for at male sådan et portræt af ham.

Livslang kærlighed

Men hans kone, Georgette Berger, blev en virkelig nær person for ham. De mødtes som teenagere. Og efter at have mødt hinanden tilfældigt i den botaniske have som voksne, skiltes de aldrig igen.

Georgette var hans muse og bedste ven. Magritte dedikerede mere end et af sine malerier til hende, og hun dedikerede hele sit liv til ham.

Kun én historie formørkede deres familieliv. Efter 13 års ægteskab blev Magritte interesseret i en anden kvinde. Georgette tog hævn på ham ved at have en affære med sin ven. De boede fra hinanden i 5 år.

Af en eller anden grund var det i denne periode, at Magritte malede dette portræt af Georgette.

Rene Magritte. Georgette. 1937 Museum of Fine Arts, Bruxelles. Wikiart.org

Dette portræt ligner især et postkort. Denne åbenhed er karakteristisk for næsten alle Magrittes malerier.

I 1940 fandt parret sammen igen. Og de skiltes aldrig.

Efter sin mands død huskede Georgette, at hun den dag i dag, når hun ser på hans malerier, taler med ham og ofte skændes.

Magritte ønskede ikke at legemliggøre sin kærlighed som en slags kliché. I et forsøg på at komme til essensen af ​​denne følelse, skaber han lærredet "Lovers". I den er de unges ansigter pakket ind i lagner.

Rene Magritte. Elskere. 54 x 73,4 cm. 1928. Museum of Modern Art (MOMA), New York. Renemagritte.org

Dette værk er slående i sin anonymitet. Vi ser ikke karakterernes ansigter. En sådan upersonlighed var karakteristisk for næsten alle kunstnerens værker.

Selvom der ikke var noget slør på ansigterne, var ansigtstrækkene blokeret af en almindelig genstand. For eksempel et æble.

Rene Magritte. Menneskesøn. 116 x 89 cm. 1964. Privat samling. Artchive.ru

Anerkendelse og borgerpligt

I 1918 dimitterede den unge mand fra Royal Academy of Fine Arts. Efter at have forladt tærsklen til "alma mater", begyndte han smerteligt at søge efter et middel til at leve.

Han kunne ikke gå imod sin idé og tilpasse sig publikums smag. Derfor fik jeg arbejde på et tapetmalerværksted.

Det er svært at forestille sig en mere trist modsigelse: kunstneren, der mest af alt forsøgte at fange en tanke, blev tvunget til at male blomster på tapetet.

Men Rene fortsatte med at skrive i sin fritid. Heltene i hans malerier er almindelige genstande. Eller rettere sagt de ideer, der ligger gemt bag dem.

Der er en række fornægtelsesmalerier, hvor kunstneren bevidst tegner for eksempel en pibe og efterlader signaturen: "Dette er ikke en pibe." Således henlede opmærksomheden på, hvad der er bag den sædvanlige skal af objektet.

Rene Magritte. Billedernes forræderi (Dette er ikke en pibe). 63,5 x 93,9 cm.1948. Privat samling. Wikiart.org.

Hvert maleri af Magritte er en vittig selvstændig historie. Lærredets komponenter spredes eller deformeres ikke. De er realistiske og genkendelige.

Men i den kompositoriske helhed danner de en helt ny tanke. Mesteren hævdede, at hvert af hans malerier havde en særlig betydning "kablet" ind i det. Intet meningsløst rod.

Hvad er for eksempel meningen med en regn af mennesker? Kunstneren selv tydede aldrig sine malerier. Alle leder efter skjult undertekst til sig selv.

Rene Magritte. Golconda. 100 x 81 cm. 1953. Privat samling, Houston. Artchive.ru

I 1927 åbnede Renes første udstilling, som ikke var nogen kritisk succes. Og Magrittes-parret rejser til Paris, hovedstaden for avantgardekunst.

Efter et kort samarbejde med Bretton-kredsen vælger kunstneren sin egen vej og opnår hurtigt succes.

Samtidige husker, at Rene var anderledes end alle kunstnere. Han havde aldrig sit eget værksted. Og i huset, hvor Magritte boede, var der ingen uorden, der var karakteristisk for maleren. Magritte sagde, at maling blev skabt til at blive påført på lærred og ikke til at blive smurt på gulvet.

Men hans malerier var lige så "rene" og endda en smule tørre. Klare linjer, perfekte former. Ekstrem realisme bliver til illusion.

Rene Magritte. Betingelser for menneskelig eksistens. 1934. Privat samling. Artchive.ru

Med krigens begyndelse begyndte Magritte at male malerier, der ikke var typiske for hans stil. Kunsthistorikere vil kalde denne tid "perioden".

Rene mente, at det var hans borgerpligt at male livsbekræftende billeder, hvilket giver seeren håb. Fredsduen med en hale af blomster er et slående eksempel på Magrittes "militære" kunst.

Rene Magritte. Et gunstigt tegn. 1944. Privat samling. Wikiart.org

Opnåede udødelighed

Efter krigen vendte Magritte tilbage til sin sædvanlige stil og tænkte meget over emnet død og liv.

Det er tilstrækkeligt at huske hans parodier på berømte malerier af andre kunstnere, hvor han erstattede alle heltene med kister. Sådan ser maleriet "Altan" ud i Magrittes fortolkning.

Rene Magritte. Perspektiv II: Manets altan. 80 x 60 cm. 1950. Museum of Fine Arts, Gent. Artchive.ru

Magritte erkender dødens storhed før tanken. Disse mennesker, rigtige mennesker, der engang poserede for Edouard Manet, er ikke længere i live. Og alle deres tanker forsvandt for altid.

Men lykkedes det Magritte at snyde døden? Hans kone Georgette påstod ja! Han er levende i sine malerier, i de gåder-rebuser, som hver enkelt bærer i sig. Og opfordrer seeren til at finde deres svar.

Efter kunstnerens død af kræft i bugspytkirtlen i 1967 holdt Georgette indtil slutningen af ​​sine dage uberørt alt, hvad der tilhørte hendes talentfulde mand - pensler, palet, maling. Og på staffeliet var der stadig et ufærdigt maleri "Empire of Light".

Rene Magritte. Lysets Imperium. 146 x 114 cm. 1950'erne. Peggy Guggenheim Collection i Venedig.

For dem, der ikke vil gå glip af de mest interessante ting om kunstnere og malerier. Efterlad din e-mail (i formularen under teksten), og du vil være den første, der får besked om nye artikler på min blog.

I kontakt med

17.03.2011 V 22:08

Surrealisme af René Magritte

Vold(alle værker kan forstørres)

En af de fremragende kunstnere i forrige århundrede, Rene Magritte(1898–1967) var oprindeligt fra Belgien. Uddannet på Kunstakademiet i Bruxelles var han i begyndelsen stærkt påvirket af Dada og kubismen. Året 1925 var et vendepunkt i hans arbejde: maleriet "Roses of Picardie" markerede en ny stil og en ny holdning - "poetisk realisme". Kunstneren flytter til "surrealismens centrum" - Paris, hvor han deltager i alle surrealistiske udstillinger.

Dadaisme eller dada- en modernistisk bevægelse inden for litteratur, billedkunst, teater og film. Det opstod under Første Verdenskrig i det neutrale Schweiz i Zürich. Eksisterede fra 1916 til 1922. Dadaismens hovedidé var den konsekvente ødelæggelse af enhver æstetik. Dadaisterne proklamerede: "Dadaisterne er intet, intet, intet, uden tvivl vil de ikke opnå noget, intet, intet."
Dadas hovedprincipper var irrationalitet, benægtelse af anerkendte kanoner og standarder inden for kunst, kynisme, skuffelse og mangel på system. Det menes, at dadaismen var forløberen for surrealismen, som i høj grad bestemte dens ideologi og metoder.

Elskere

I begyndelsen af ​​1950'erne. Magrittes kunst modtager stadigt stigende international anerkendelse, som det fremgår af hans store udstillinger i Rom, London, New York, Paris og Bruxelles. I 1956 blev Magritte, som en fremragende repræsentant for belgisk kultur, tildelt den prestigefyldte Guggenheim-pris.

Rød model

Hovedtræk ved Magritte er atmosfæren af ​​mystik i hans værker. En følelse af mystik er, som vi ved, iboende i ægte kunst. "Jeg har altid betragtet Magritte som en imaginær kunstner, en mester et sted på niveau med Giorgione," skrev Herbert Read. Disse ord rummer nøglen til Magrittes poetik.Magritte skiller sig skarpt ud blandt surrealisterne: i modsætning til dem bruger han ikke fantastiske, men hverdagslige elementer, taget i bizarre forhold.

Insight("La clairvoyance(autoportait)")

Originaliteten af ​​Rene Magrittes arbejde vil blive afsløret mere fuldstændigt, hvis vi vender os til emnet "surrealisme og freudianisme." Surrealismens hovedteoretiker, Andre Breton, en psykiater af profession, tillagde Freuds psykoanalyse afgørende betydning ved vurderingen af ​​kunstnerens arbejde. Freudianske synspunkter blev ikke kun adopteret af mange surrealister – det blev deres måde at tænke på. For eksempel, for Salvador Dali, efter hans egen indrømmelse, betød Freuds idéverden lige så meget som Skriftens verden for middelalderlige kunstnere eller den antikke mytologis verden for renæssancens mestre.

Den "frie associationsmetode" foreslået af Sigmund Freud, hans "teori om fejl" og "fortolkning af drømme" var primært rettet mod at identificere smertefulde psykiske lidelser med det formål at helbrede. Fortolkningen af ​​kunstværker foreslået af Freud var også rettet mod dette. Men med denne forståelse reduceres kunsten til en privat så at sige "helbredende" faktor. Dette var fejlslutningen i surrealismens teoretikeres tilgang til kunstværker. Magritte var godt klar over dette og bemærkede i et af sine breve i 1937: "Kunst, som jeg forstår det, er ikke underlagt psykoanalyse. Det er altid et mysterium."

Nostalgi

Hans kunst blev ofte kaldt "dagdrømme". Kunstneren præciserede: "Mine malerier er ikke drømme, der får dig til at sove, men drømme, der vækker dig." Det er ikke for ingenting, at den fremtrædende surrealist Max Ernst, efter at have set sin udstilling i New York i begyndelsen af ​​1950'erne, sagde: "Magritte hverken sover eller forbliver vågen. Han oplyser. Han erobrer drømmenes verden."

Flammens tilbagevenden ("Le retour de flamme")

"Uden mystik er hverken verden eller idéen mulig," blev Magritte aldrig træt af at gentage. Og som epigraf til et af hans selvportrætter tog han en linje fra en fransk digter fra det 19. århundrede. Lautreamont: "Jeg drømmer nogle gange, men aldrig et øjeblik mister jeg bevidstheden om min identitet."

Herbert Read bemærkede: "Magritte er kendetegnet ved sværhedsgraden af ​​hans former og et tydeligt syn. Hans symbolik er ren og gennemsigtig, som vinduesglasset, som han så elsker at afbilde. Rene Magritte advarer om verdens skrøbelighed. Glasset er gået i stykker: det fryser betydeligt under flugten, billederne falder og stiller sig op på række som isflager." Dette er et eksempel på en mulig fortolkning af Magrittes polysemous metaforer. Denne kunstners glasrudemotiv kan også ses som grænsen mellem to verdener - den virkelige og den surrealistiske, den poetiske og den daglige, mellem det bevidste og det ubevidste.

Boudoir filosofi

Perspektiv II: Manets balkon ("Perspektiv II^ le balcon de Manet")

Golconda

Maleriet "Golconda" (1953) kan ses som en legemliggjort metafor: mennesker "med vægt" er blevet vægtløse. Der er ironi gemt i navnet: Golconda er trods alt en semi-legendarisk by i Indien, berømt for sine guldforekomster og diamanter, og disse mennesker ser ud til at være tiltrukket af guld. Kunstneren hænger i et ubegrænset rum adskillige dusin pænt klædte rentiere med bowlerhatte, slips og moderigtige frakker, samtidig med at han bevarer absolut ro.

Horisontens mysterium

Magritte gav titlen en afgørende rolle i opfattelsen af ​​maleriet. Ifølge slægtninge og venners erindringer diskuterede han dem ofte med litterære venner, når han kom med navne. Her er, hvad kunstneren selv sagde om dette: "Titlen er en indikator for maleriets funktion", "Titten skal indeholde en levende følelse", "Den bedste titel på et maleri er poetisk. Den skal ikke lære noget, men i stedet overraske og fascinere.”

Måneden for druehøsten

Stor familie

Carte blanche

Falsk spejl

I maleriet "False Mirror" (1929), som udtrykte kunstnerens ideologiske credo, er hele rummet optaget af billedet af et stort øje. Kun i stedet for iris ser beskueren en sommerblå himmel med gennemsigtige skyer svævende hen over den. Titlen forklarer ideen om maleriet: sanserne afspejler kun tingenes ydre udseende uden at formidle verdens skjulte dybde, dens hemmeligheder. Kun det uforenelige hjælper ifølge Magritte til at fatte meningen med tilværelsen. Et billede kan kun blive født ud fra konvergensen af ​​to mere eller mindre fjerne virkeligheder.

Menneskesøn

Magritte malede dette maleri som et selvportræt. Det forestiller en mand i frakke, iført bowlerhat, stående nær en væg, bag hvilken man kan se havet og en overskyet himmel. Mandens ansigt er næsten helt dækket af et grønt æble, der svæver foran ham. Maleriet menes at skylde sit navn til billedet af en moderne forretningsmand, der forblev Adams søn, og et æble, der symboliserer de fristelser, der fortsat hjemsøger mennesket i den moderne verden.

Rene Magritte-museet i Bruxelles